Existem mais de 60 bienais e trienais em todo o planeta, mas nenhuma delas é tão importante e possui tamanho prestígio como a Bienal de Veneza.  Além dela, as outras são:  Art Basel, Documenta de Kassel e a Art Sculpture Münster, ambas na Alemanha.  A cada dez anos essas exposições acontecem simultaneamente e este ano é um deles. A correria começou dia 6 de Junho e vai até fim de Outubro com um evento se amontoando no outro.

O “Cast” é o mesmo em todas elas: “Art goers”,  diretores de museus,  mecenas, curadores, clientes, mais curadores, artistas, negociantes, jornalistas, relações públicas e gente que não  se tem idéia do que é mas que com certeza é alguma coisa e por aí vai. E artistas como Jorge Prado, Rirkrit Tiravanija, Liam Gillick, Pierre Huyghe e Philippe Parreno, que acredito que a maioria de vocês nunca ouviram falar deles.

LACMA Um maior equilíbrio entre Los Angeles e Nova York

LACMA Um maior equilíbrio entre Los Angeles e Nova York

INAUGURAÇÃO

A festa de abertura do novo prédio do Los Angeles County Museum of Arts – LACMA – em 16 de fevereiro de 2008 inaugurou uma nova fase nas artes plásticas nos Estados Unidos, com um maior equilíbrio entre Nova York e Los Angeles.

Obra do renomado arquiteto Renzo Piano (o mesmo do Centre Georges Pompidou) já é uma obra de arte por si só. E como se isso não bastasse, abriga a maior coleção de arte contemporânea do pós-guerra jamais vista num museu americano.

 Trinta dos aproximadamente 180 trabalhos pertencem à coleção privada da fundação Broad Art Foundation. O empreendedor Eli e sua mulher Edythe de Los Angeles doaram 56 milhões de dólares para a construção deste novo museu, que abriga um patrimônio calculado em 2 mil peças de arte moderna, do pós-guerra e contemporânea.

O Instituto Inhotim inaugurou em 29 de setembro o Nove Novos Destinos, com nove obras novas de dez artistas contemporâneos consagrados nacional e internacionalmente no cenário atual.

São eles: Chris Burden, Doug Aitken, Edgard de Souza, Janet Cardiff & George Bures Miller, Jorge Macchi, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares e Yayoi Kusama.

Segundo o diretor artístico do Instituto, Jochen Volz, a idéia de destino é a síntese do lugar, pois o Instituto Inhotim não é um lugar de passagem e sim um destino.

-Desvio para o Vermelho: Impregnação, Entorno, Desvio  (1967-1984), técnica mista;

-Glove Trotter (1991) malha de aço inoxidável e bolas de vários tamanhos, cores e materiais;

-Através (1983-1989) técnica mista

As obras são programadas para ficarem expostas mais ou menos por dois anos, e a última mudança ocorreu em outubro de 2006.

No parque-museu, de tempos em tempos há uma troca das obras que estão espalhadas nas galerias e jardins.Esta troca permite que uma mesma pessoa visite o local um tempo depois, e se surpreenda com obras totalmente diferentes.

Fora as obras mostradas em nossos blogs anteriores, outras estão espalhadas pelos jardins, a exemplo de Gigante Dobrada de Almílcar de Castro, instalada à porta da Galeria True Rouge; Troca-Troca, os fuscas coloridos de Jarbas Lopes, que ficam estacionados em diferentes partes de Inhotim e, no caminho da saída, a escultura de pedra Gui Tuo Bei, do chinês Zang Huan, de 6,40 metros de altura, e que se encontra à frente do famoso Tamboril.

Gruta D´Arte -Bichinho, Tiradentes, Minas Gerais

Bichinho é um pequeno lugarejo que dista a 12 quilômetros de Tiradentes, Minas Gerais. Por ali, encontram-se vários artesãos de bastante valor criativo que, com seu trabalho,  interferem e criam modismos, e são muito copiados no conhecido mercado do “artesanato de Minas”. Basta uma visitinha ali, para perceber a preciosa fonte. Dali, por exemplo, saíram “as mulheres conversadeiras na janela” e os “Divinos” (pombas) de madeira, entre tantas outras.
 
Uma parte da história de Bichinho se cruza com a história da Oficina de Agosto, projeto de Antonio Carlos mais conhecido como Toti. Antecipamos a matéria entrevistando dois membros desta equipe: o artista Daniel Detomi e Fabio Teixeira, que também fazem seus trabalhos pessoais, ambos com RECICLAGEM de materiais.

“Gérard Fromanger – A Imaginação no Poder”, trazendo cerca 73 trabalhos do artista nascido em 1939, um dos ícones do movimento Nova Figuração francesa, surgido nos anos 1960 e  está no  Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro de 4 de dezembro a 31 de janeiro de 2010.

A curadoria fica por conta da francesa Anne Dary, que reuniu trabalhos de diversos acervos importantes, como do Museu de Arte Moderna de Paris e do Centro Georges Pompidou, além da coleção do próprio artista.

As pinturas, fotografias e perfomances surrealistas sempre super-provocativas estão na roda da moda desta sexta.

Será uma fuga da realidade ou será um estado real do mundo?

Para o fotógrafo David LaChapelle ,o surrealismo nunca foi novidade. Ele foi descrito por Richard Avedon como o Magrittedo gênero. As imagens de La Chapelle são comparáveis a obras de artistas dos movimentos surrealista, pop art, futurista, barroco e renascentista.

Outro que não nega o dedo no caminho surreal é o estilista Marc Jacobs, que mostrou sua coleção de verão 2008/09 toda inspirada no pintor Salvador Dali. O desfile mostra uma coleção com a passarela repleta de ninfetas de cabelos arrepiados, vestidos com lingerie estampada e até com scarpin com salto invertido. Se esse sapato vai pegar, isso ainda não sei! Quem sabe alguns estilistas antenados já estão percebendo essa onda e se preparando para o Fashion Rio e SPFW?

O surrealismo foi um movimento artístico que nasceu justamente na década de 30, com uma bandeira pós-guerra cheia de coragem para se rebelar. Para criarem imagens loucas, como as dos filmes arte de Salvador Dalí, muitos artistas dividiam a bebida e as drogas!

Nessa mesma época, as mulheres viveram pra mudar a silhueta que antes era apertada em espartilho para uma cintura reta como os homens. O corte de cabelo da época era o estilo menino e o acessório, a pérola.

Então, não é a toa que também estamos vivendo um momento total anos 30 na moda!

A Rússia está definitivamente na moda em Londres: uma avalanche de exposições, workshops, leilões, desfiles de moda, shows e badaladas festas onde comparecem os russos mais descolados, tomam conta da cidade.

Pioneiro e o grande mestre da fotomontagem, construiu todo um novo vocabulário visual, utilizou-se de ousadas e inéditas posições e ângulos de câmera, perspectivas e close-ups. Seu aproach com relação à arte nos descortina um mundo totalmente novo da vida social e política da União Soviética. Dessa forma, Rodchenko ajudou a modificar a maneira em que as pessoas passaram a perceber não só a fotografia como também o papel do fotógrafo.

 “Eu quero fazer fotos completamente críveis, fotos que nunca existiram até hoje, fotos que são tão verdadeiras que são por si só vida. Eu quero que elas sejam tão simples e ao mesmo tempo tão complexas que irão chocar e impressionar as pessoas de todo o planeta. Se eu alcançar esse objetivo, ai sim a fotografia poderá começar a ser considerada uma alta forma de arte”.

O Itaú Cultural traz a mostra Rumos Artes Visuais – Trilhas do Desejo ao  Paço Imperial, centro cultural do Iphan, no Rio de Janeiro. Organizada por Paulo Sérgio Duarte, coordenador geral da comissão curatorial, a exposição permaneceu no local de 16 de dezembro a 28 de fevereiro e exibiu o resultado da edição 2008-2009 do Rumos Artes Visuais, programa que tem o objetivo de garimpar e fomentar o melhor da produção contemporânea artística do Brasil.

São 72 trabalhos realizados por 45 artistas contemplados no Rumos Artes Visuais. Os trabalhos representam onze estados e há artistas de todas as regiões do paísl: seis são do Rio de Janeiro, duas do Ceará, uma do Distrito Federal, uma de Goiás, três de Minas, cinco do Pará, duas do Paraná, três de Pernambuco, quatro do Rio Grande do Sul, duas de Santa Catarina e 16 de São Paulo.

A exposição do fotógrafo americano Heaven to Hell – Belezas e Desastres finalmente chega ao Rio de Janeiro, onde fica de 6 de abril a 4 de maio no OI FUTURO.

LaChapelle mostra um mundo de arte mas também de fabricação de ídolos e o culto às divas, onde o CONSUMO é determinante e a aparência importa, e muito. Sua obra transcende a fotografia de moda de onde surgiu, e cria imagens dramáticas e impactantes que literalmente registram o caos contemporâneo em que vivemos. Mas tudo com muito glamour.

Com mais de 25 anos de carreira, a grande maioria das fotos de LaChapelle presentes na exposição faz parte do seu terceiro livro Heaven to Hell (2005), que encerra a trilogia que começou com LaChapelle Land (1996) e Hotel LaChapelle (1999). Os 3 livros integram a retrospectiva com edição limitada Artist and Prostitutes (1985-2005).

Os astecas acreditavam que antes de este mundo ser criado, outros mundos existiram, tendo sido criados e destruídos. Quando algo novo ocorria, os astecas procuravam de algum modo encaixar isso em profecias.

Por isso, ao que tudo indica várias das profecias feitas a respeito da volta de Quetzacoatl foram feitas após a chegada dos espanhóis e não antes.

English Version

Já dizia Andy Warhol: “um bom negócio é a melhor arte”. A Tate Modern parece ter pensado nesta afirmação ao reunir artistas dos anos 1980 até hoje que combinam a comercialização e os meios de mídia para construir suas próprias “marcas” – e sempre com muito glamour!

Começando com o mestre da pop arte Andy Warhol, a mostra inclui a escultura coelho de aço inoxidável de Jeff Koons, pinturas de Damien Hirst com manchas de ouro (que foram recorde de vendas em leilão), e uma reconstrução da loja pop de Keith Haring em Nova York.

A exposição Nove Novos Destinos 2009, exposta no Instituto Inhotim, (Brumadinho, Belo Horizonte/ MG), qual a maioria dos projetos  foi desenvolvida baseada no conceito site-specific, onde os artistas projetam as obras a partir das características que o lugar oferece conta com a presença dos artistas.

Em setembro, lançou nove obras novas de artistas contemporâneos nacional e internacionalmente  consagrados como: Chris Burden, Doug Aitken, Edgard de Souza, Janet Cardiff & George Bures Miller, Jorge Macchi, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares e Yayoi Kusama.

O Instituto Inhotim inaugurou em 29 de setembro de 2009 a exposição Nove Novos Destinos, com nove obras novas de dez artistas contemporâneos consagrados nacional e internacionalmente no cenário atual.

São eles: Chris Burden, Doug Aitken, Edgard de Souza, Janet Cardiff & George Bures Miller, Jorge Macchi, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares e Yayoi Kusama.

Smael Vagner é carioca, nascido no bairro de Olaria, mas escolheu o de Santa Teresa para viver.  Desde pequeno, freqüentava o bairro e quando começou a vida de artista, não teve dúvidas em se tornar um morador de corpo e alma.

Em Santa, estão seu atelier e suas obras, que estas podem ser vistas espalhadas pelo bairro, que só tem a  agradecer a presença de suas cores: todos sabem que Smael está por ali.

A exposição "Desenhando um filme” está  no Oi Futuro Ipanema, de17 de novembro até 17 de dezembro de 2009 , com curadoria de Marcos Flaksman, há 40 anos especialista em direção de arte com mais de 70 filmes no currículo, mostrando os bastidores da direção de arte, essência de qualquer produção cinematográfica

A mostra contém parte do acervo de Flaksman com plantas de cenários, maquetes, desenhos, tabelas de cor e imagens de referência e exibição de oito pequenos documentários com entrevistas e imagens sobre o processo de criação de oito filmes nos quais trabalhou.

Em comemoração ao centenário da imigração japonesa para o Brasil, a exposição Quando Vidas se Tornam Forma: Diálogo com o Futuro – Brasil – Japão ocupa o prédio do MAM de São Paulo de abril a junho deste ano, e cria um interessante diálogo entre os dois hemisférios, através de uma seleção com 21 artistas brasileiros e 18 japoneses.

Para esta mostra, Yuko selecionou obras que refletem a transformação de atividades pessoais ou de processos em criação, como em 1969: “se o século XX foi marcado pelos valores do individualismo, do dinheiro e do materialismo, o novo século traz como valores: a coexistência, a inteligência coletiva e a consciência. Que aspectos da vida japonesa e brasileira ganham forma nesta mostra?”, indaga Yuko. 

Argentina Hoy é uma exposição  coletiva de 33 artistas argentinos que retrata a arte feita na Argentina atualmente, que  está no Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro, desde 15 de setembro, distribuída em  duas instalações  no térreo e mais duas salas no segundo andar, onde ficará até 22 de novembro de 2009.

 A mostra comemora um fator inédito: é a primeira vez que uma exposição no exterior é completamente dedicada à arte contemporânea da Argentina com obras produzidas a partir dos anos 2000.  A exposição mistura  novos artistas como Ariel Cusnir, Mariana López  e Flavia da Rin  e já consagrados como Jorge Macchi e Mariana De Caro, que retratam a condição urbana das cidades e revela uma Argentina, como o nome já diz de “hoje”, longe do famoso universo esportivo de  Maradona versus Pelé, qual estamos habituados.

No dia 29 de setembro o Instituto Inhotim preparou um grande evento: “Nove Novos Destinos” seguindo o conceito de site specific”, com instalações criadas especialmente para o lugar por artistas, em sua maioria estrangeiros.

Localizado em Brumadinho, a 60 quilômetros de Belo Horizonte, Inhotim é um museu com um conceito totalmente inovador. Sua área abrange um grande parque que, além de um acervo de mais de 500 obras de arte contemporânea adquirida desde os anos 1980, abriga também uma das maiores coleções de botânica do mundo, com jardins e parque tropical sugeridos por Burle Marx.

A partir de setembro, a Roda da Moda renova sua produção de audiovisual com vídeos da Roda de Docs 2009, com patrocínio da Oi e a Secretaria da Cultura do Rio de Janeiro. Em 2008, contabilizamos 69 vídeos lançados e 65 desfiles do Prêmio Rio Moda Hype.

Os mini-documentários reúnem material sobre o do Processo Criativo para criadores em Moda, Design e Artes com entrevistas com jovens artistas e designers, e filmagens de exposições temporárias e acervos além de palestras sobre criação artística.

A novidade são as versões mini-mini docs de 30 segundos especiais para o celular com todo o conteúdo da Roda de Docs.

A exposição Eduardo Kac: Lagoglifos, Biotopos e Obras Transgênicas, apresentada no Oi Futuro até o dia 7 de março, permite conhecer a linguagem única do artista, que é pioneiro na bioarte e na arte transgênica.  A mostra é uma rara oportunidade de se ver as obras mais recentes do brasileiro, que vive nos EUA há 21 anos.

O Oi Futuro celebra 30 anos de carreira do artista plástico Eduardo Kac, com uma mostra que contempla três andares do prédio. As obras expostas são inéditas no Brasil e algumas nunca antes mostradas em nenhum lugar do mundo. A exposição, com Curadoria de Chistiane Paul, do Whitney Museum of American Art, de Nova Iorque, mistura fotografias, litografias, gravuras, serigrafias e conta até com uma animação.

Desenho, pintura, vídeo-arte e as mais diversas performances. Obras em desenvolvimento ou construídas segundo a experiência de artistas com o espaço físico de um dos galpões do Cais do Porto. 

A exposição Arte 24 Horas realizada no Sesc Rio Noites Cariocas nos dias 27 e 28 de janeiro expôs ao público as ideias e o próprio momento da criação dos artistas, contrariando o conceito de que a criação em geral é um momento solitário.

O evento contou com 24 artistas e durou 24 horas. Através de conceitos da arte contemporânea como site specific, a arte elaborada para um local específico e working progress, o momento da criação revelado, as curadoras Isabel Portella e Flavia Corpas colocaram em evidência além das intenções individuais dos artistas, um momento de criação coletiva.

Destacamos da exposição os trabalhos mais impactantes: foto 1: a obra “Medium Square Sphere”, 2007, bronze, filtro de cor, espelho, aço inoxidável, alumínio, que forma um quadrado fixo em um pentágono  que cria complexos desenhos de pentágonos, quadrados, triângulos e círculos, causando um efeito de caledoscópio. 

Foto 2:  “Medium Square Sphere”,  e “Power Tower”, 2005, aço inoxidável, contraplaca; estas duas obras pertencem ao acervo do artista e da Galeria Tanya Bonadkar, N.Y.. A terceira obra, “Colour Square Sphere”, 2007, é feita de filtro de cor, aço inoxidável e alumínio, e forma uma série de quadrados fixos em volta de um pentágono e também cria uma série de figuras geométricas de efeitos calesdoscópicos.

Na foto 3, “Who is Afraid?”, 2004, obra feita com filtro de cor (vermelho, azul e amarelo), motor, iluminaçåo HMI, trípode. Três discos de vidro de tamanhos diferentes giram lentamente e criam uma sequência aleatória; um projetor ilumina estes discos, que criam reflexos que se alternam nas cores primárias e secundárias criadas a partir de diferentes combinações. Faz parte do acervo do Kunstmuseum Wolfsburg, Alemanha. 

A Fundação Joan Miró apresenta a exposição “A Natureza das Coisas” de Olafur Elisson, de 20 de junho a 28 de setembro. A mostra está dividida em dois prédios, e continua no Centro Cultural da Caixa Girona, de 18 de julho a 14 de de setembro de 2008. Olafur foi o primeiro vencedor do Prêmio Joan Miró, criado no sentido de detectar diálogos entre Miró e diferentes artistas.

O Rio de Janeiro recebeu o evento Rio Anime Club 2.0, a maior feira periódica de Anime (nome dado às animações produzidas no Japão) e jogos eletrônicos realizada pelo Instituto Japão Pop. Mais de três mil pessoas conferiram o evento de novas tendências nas áreas da música, comportamento, games, tecnologia e cosplay, hobby que consiste em fantasiar-se de personagens originários, em geral, de quadrinhos, games e desenhos animados japoneses.

O Rio Anime Club foi um grande ponto de encontro de jovens entre oito e 28 anos e proporcionou aos visitantes lazer e entretenimento de qualidade, em um ambiente de confraternização de ideias e de troca de experiências. Houve campeonatos de games, shows de bandas nacionais, uma boate com os melhores DJs da J-music, música japonesa e o tão esperado concurso de fantasias.

Pierre Commoy (fotógrafo) e Gilles Blanchard (pintor)  são a dupla francesa da exposição Pierre et Gilles: A Apoteose do Sublime realizada pelo Oi Futuro do Flamengo (RJ), de 10 de novembro de  2009 até 17 de janeiro de 2010  e que  faz parte da comemoração do Ano da França no Brasil.

A mostra conta com 26 fotografias de tiragem única e de grandes dimensões, quais foram produzidas nas décadas de 80, 90 e algumas nestes anos 2000. Numa  atmosfera que envolve humor, sexo e beleza, estão as obras: Legend (1990), que teve como modelo a popstar Madonna, além de uma série de auto-retratos dos artistas, dentre eles Les Pistolets (1987).

Aos olhares comuns a brincadeira pode parecer um tanto excêntrica, no entanto basta conhecer esse universo mais a fundo para perceber que seus praticantes revelam-se pessoas comuns. Longe de serem reclusos e isolados, os adeptos do cosplay possuem a capacidade de trazer para a realidade momentos e figuras do mundo da fantasia e da ficção que causam tanto fascínio entre o público.

A prática do cosplay exige capacidade de superar desafios, explorar a criatividade e o potencial artístico nas caracterizações com o foco na busca pela fidelidade à obra original. Atualmente existem milhares de praticantes espalhados pelo Brasil, e os maiores eventos que reúnem fãs do hobby chegam a alcançar um público de mais de 40 mil pessoas.

As primeiras atrações do evento foram o Anime Quiz, onde grupos disputavam prêmios respondendo perguntas baseadas em seus conhecimentos sobre animes, e o Anime Date, uma brincadeira tipo o programa da MTV “Beija Sapo”, em que pela primeira vez desde que a atração é realizada no evento, a princesa realmente beijou o pretendente escolhido ao final.

Logo depois, os visitantes foram contemplados pela palestra com o dublador Jorge Lucas, que faz a voz de Johnny Deep como o personagem Chapeleiro Louco, no filme Alice no País das Maravilhas, que estreia no Brasil no mês que vem. Além de falar sobre o novo filme, o dublador, que também é responsável pela voz de personagens famosos como Lex de “Smallville”, Tommy de “Power Rangers”, Fox Mulder em “Arquivo X”, contou também um pouco sobre sua carreira e a profissão de dublador.

Até 18 de abril, o Instituto Moreira Salles apresenta a exposição Anna Mariani: Pinturas e Platibandas, com 25 imagens de fachadas feitas pela fotógrafa em sete estados do Nordeste brasileiro: Ceará, Rio Grande do Norte, Paraíba, Pernambuco, Alagoas, Sergipe e Bahia. Com curadoria do crítico de arte Rodrigo Naves, a mostra é uma seleção das mais de duas mil fotos de platibandas que ela fez na região entre 1976 e 1987.

Nascida no Rio de Janeiro, em 1935, Anna Mariani viveu sua infância no Nordeste e por isso, dedicou 15 anos de seu trabalho a representar o local através de suas imagens. A partir da década de 1970, viajou ao Recôncavo Baiano para documentar a paisagem, as manifestações culturais e o trabalho feminino em atividades tradicionais nordestinas, recolhendo experiências sem julgá-las.

Segue na íntegra o email que pulsionou a artista Sophie Calle fazer a exposição “Cuide de você”. Ela explica que o nome do autor do email foi mudado para que  sua identidade não influenciasse as interpretações e o nome do livro foi trocado pela palavras “escritos”, a pedido do próprio.

Date:     24 Apr 200419 : 13 : 35 + 0200

O artista plástico multimídia, que começou sua carreira em 1984, em exposição no Museu de Arte Moderna de Paris, ficou conhecido do público brasileiro por seu projeto cenográfico para a antológica exposição Surrealismo, no Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) do Rio.

Sophie Calle - Cuide de Você  está no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro, de  11 de dezembro de 2009 e 21 de fevereiro de 2010, que já passou por Salvador e São Paulo e em 2010  segue sua turnê internacional.

“Cuide de Você” foi  apresentada pela primeira vez na 52ª Bienal Internacional de Arte de Veneza em 2007, e com o frescor da “primeira vez”  chamou bastante atenção, como chama até hoje.

Até final de maio em Barcelona: Catalina Estrada apresenta "Desarmando Sueños" na Galeria Iguapop.

A obra de Catalina Estrada chama atenção pela sua beleza, pela simplicidade e ao mesmo tempo riqueza visual dos detalhes, e pela forma como recria cenas da nossa memória dos contos de fada.

Impossível de passar desapercebida, estabelece conexões com adultos e crianças.

Sua influência está mais para os Irmãos Grimm do que para a história em quadrinhos ou desenho animado. Cada personagem parece contar uma história; cada obra sua é lúdica, super-colorida e repleta de signos da literatura infantil e da iconografia religiosa, onde ela usa e abusa dos efeitos do design gráfico misturados aos recursos da street art.

Uma que me chama muito a atenção é a artista Miss Van nascida em Toulosse, França, em 1973. Nos anos 1990, quando tinha 18 anos, começou a deixar suas pinturas nos muros da cidade, e foi uma das pioneiras neste universo quase sempre dominado pelos homens.

Em cartaz no Paço Imperial, na Praça XV-RJ, a exposição “Paulo Werneck- Muralista Brasileiro” apresenta objetos de trabalho, desenhos publicados em jornais e revistas, ilustrações e projetos em guache desse artista, figura importante do modernismo brasileiro; introdutor da técnica do mosaico no Brasil e responsável por projetos com enormes painéis abstratos para importantes prédios públicos.

Os painéis de Werneck, de grandes dimensões se inserem no projeto arquitetônico em um todo orgânico. Grande colaborador dos arquitetos modernistas, entre eles Oscar Niemeyer, a obra mais famosa de Werneck foi o painel abstrato que fez para a Igreja da Pampulha-MG, projeto de Niemeyer.

Coletivo Potiguar: Fotografia Contemporânea – Imagens da Esquina do Brasil” está na Caixa Cultural  de 10 de novembro de 2009 a 03 de janeiro de 2010, sobre a produção fotográfica feita ou inspirada no Rio Grande do Norte.  São eles: Numo Rama, Jean Lopes, Jean Frota, Ricardo Junqueira, Erik Van Der Weijde, Karen Montenegro, Hugo Macedo, Max Pereira e Pablo Pinheiro.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                       

Ricardo Junqueira, fotógrafo e curador da exposição, fez uma pesquisa histórica e análise crítica sobre esta  produção fotográfica  potiguar a partir do ano 2000  e separou  trabalho de  9 artistas que tivesse, segundo ele, “um percurso poético autêntico e formando assim, um conjunto de imagens, no qual se pode perceber uma diversidade de linguagens e estilos próprios”.

Saint- Étienne, Cité du Design é uma exposição sobre o design contemporâneo francês, que faz parte das comemorações oficiais do Ano da França no Brasil e que no mês de setembro passou no Brasil pela primeira vez com realização do Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro.

É uma mostra inédita sobre design, tecnologia e sustentabilidade da cidade francesa de Saint-Étienne, conhecida como a “cidade do design”, trazendo os projetos  de artistas europeus consagrados, que se destacaram na Bienal Internacional de Design Saint-Étienne 2008, uma Mini City Eco Lab, e a Cité Du Design.

Beatriz Milhazes colore São Paulo

O colorido bidimensional das pinturas, colagens e gravuras de Beatriz Milhazes explode no espaço em sua nova exposição, na Estação Pinacoteca, em São Paulo. Nunca me atraí muito pelo trabalho de Beatriz Milhazes, talvez porque achasse tão bonito que achava fácil.  

 Depois de ir na sua exposição na Estação Pinacoteca em São Paulo, me apaixonei por ela. Seu trabalho continuou bonito aos meus olhos, mas o que mais me tocou foram suas imperfeições, a certeza de que por traz daquelas formas tão bem pensadas,existe uma pessoa, uma mão, um projeto, uma alma, um coração.

Nas pinturas, duas fases distintas, deixam claro a evolução da artista. Na primeira, com quadros de 1993 e 1994, uma clara relação com suas origens, em um jeito mais rococó e mais naif, talvez. Na segunda, com quadros já a partir de 2003, as composições tomam lugar, com suas flores e círculos, pontuados por imagens de delicadas frutas, em uma belíssima mistura de projeto e improviso.

Os "vitrais" coloridos, na grande sala central são também uma grande atração.

A Galeria Iguapop participa da quarta edição da Scope London Art Fair, Feira de Arte que reúne as melhores galerias do mundo, e leva para Londres parte do grupo de artistas que representa, como Gary Baseman, Miss Van, Victor Castillo, Tim Biskup, Raí Escale, Liz McGrath, Boris Hoppek e o coletivo The Found Art Foundation.

O evento acontece esta semana de 16 a 19 de outubro 2008 no Lord’s Cricket Ground de Londres, em frente ao Regent’s Park com 50 galerias internacionais representando o que há de mais novo nas artes visuais.

Como novidades da Galeria, Victor Castillo estará mostrando uma obra nova pintando um mural; Liz McGrath estará antecipando a exposição que leva a Barcelona dia 23 de outubro e Boris Hoppek também antecipa a exposição que irá inaugurar na Iguapop  em 27 de novembro. 

A Jonathan LeVine Gallery em Nova York abre espaço para exposição solo do artista Xavier Prou mais conhecido como Blek le Rat, que fica de 18 de outubro a 15 de novembro. A galeria representa um grupo de artistas bastante significante e em 2007 já havia feito uma exposição coletiva com 6 artistas que participam ativamente na produção de Street Art na Europa, com grafites e pintura nas ruas.

Inhotim é um museu a céu aberto localizado em Brumadinho, 60 quilômetros de Belo Horizonte / MG.  Em setembro lançou nove obras novas de artistas contemporâneos nacional e internacionalmente  consagrados como: Chris Burden, Doug Aitken, Edgard de Souza, Janet Cardiff & George Bures Miller, Jorge Macchi, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares e Yayoi Kusama.

Os projetos foram desenvolvidos baseados no conceito site-specific – os artistas projetam as obras a partir das características que o lugar oferece, ampliando o conceito de um espaço expositivo comum que conhecemos.

A artista norte-americana Elizabeth McGrath abre a exposição “Lágrimas de Crocodilo” no dia 23 de outubro na Galeria Iguapop em Barcelona. 

O título da exposição é já dá uma pista do que vem por aí: sua arte divide-se entre pintura e escultura; transita entre o gótico, o bizarro, a taxidermia, o terror e o sacro, remontando cenários da infância e ambientes religiosos.

Liz constrõe seu “gabinete de curiosidades”: seus bonecos parecem empalhados; um universo de peças e objetos que se multiplicam. A artista mistura bonecos com sofisticadas vestimentas com móveis, cria molduras, oratórios, brinquedos, e faz animais bizarros de todos os tamanhos.

Maria Bonomi trabalha com a xilogravura como quem trabalha com o mais delicado dos processos. Faz sobreposições e combinações, reinventando a maneira de usar as matrizes. E mescla o duro processo da xilo com a leveza do papel japonês, no qual grava a maioria de suas obras. É o que se pode ver na restrospectiva com 150 trabalhos da artista na Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Já na sala Ode ao Design onde os modelos da Melissa feitos por Karim Rashid, Zaha Hadid e os irmãos Campana estão pendurados no teto por fios metálicos. E três monitores exibem filmes e vídeos sobre cada um deles:

Irmãos Campana, famosos internacionalmente por suas características ímpar no design, a dupla de irmão brasileiros começaram a parceria com a Melissa em 2004 e desde então não parou, resultando em um sucesso após o outro. Os modelos deles são inspirados nas linhas Zig e Zag, Favela e Corallo.

A exposição “Carlos Vergara: A dimensão gráfica – uma outra energia silenciosa” apresenta um conjunto de mais de 200 trabalhos realizados pelo artista dos anos 1960 até hoje, que está no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro de 12 novembro de 2009 a 14 março de 2010 com curadoria do colecionador George Kornis.

Esta mostra  representa a expressão por diversas linguagens e pretende dar visibilidade à linguagem gráfica, presente em toda a trajetória de Vergara, de diversas maneiras: monotipias, gravuras, desenhos, 3D, fotografias, filmes.

A Denguemag é uma revista eletrônica que foi lançada em maio de 2009 na rede com acesso livre.

Com matérias e editoriais criados para a internet, os textos são curtos e tem apelo de muita imagem – especialmente de moda.

A iniciativa é do fotógrafo Christian Gaul, nascido na Alemanha e criado no Brasil, com um olhar quase estrangeiro para o nosso DNA, seja na moda, no comportamento e nas artes dos trópicos. A cada edição, a revista tem colaboradores especiais que dão um tempero extra a cada página.

A cada 800 metros andados, entre as praias do Leme e Leblon, uma surpresa: arte urbana exposta de dez metros de altura, produzidos por sete artistas franceses, espalhadas em vinte painéis.

A (ótima) surpresa - Street Biennale -, felizmente impossível de passar despercebida, transformou as praias da zona sul, no Rio de Janeiro, em uma exuberante galeria de arte ao ar-livre, como parte das comemorações do ano da França no Brasil.

Tara McPherson divide exposição com Pepa Prieto na Galeria Iguapop em Barcelona até o dia 12 de setembro. Primeira vez expondo na Espanha, aproveita para também lançar seu livro novo de ilustrações “Lost Constellation: The Art of Tara McPherson Vol II” (Dark Horse).

Ilustradora de mão cheia ficou conhecida pelos posters de Beck, Depeche Mode, Modest House, Melvins, e do filme “Juno”. Sua arte é relacionada ao movimento Surrealismo Pop que tem na Galeria Jonathan Levine e na Iguapop o endereço certo. Tara não podia deixar de passeia por temas da infância e do gótico, com boa dose de sedução especialmente nas mulheres em atitudes provocativas. Tara também pinta seus bonequinhos de toy art.

Pepa Prieto divide exposição com Tara McPhersonna Galeria Iguapop em Barcelona até o dia 12 de setembro.

Pela primeira vez em Barcelona, Pepa apresenta uma instalação baseada em pinturas, objetos e serigrafias acumuladas de outras datas, especialmente de suas competições de snowboard.

Sua arte transita por um universo onírico com imagens e situações imaginárias. Seus personagens parecem saídos de contos infantis, onde animais e seres humanos se misturam em formas geométricas, montanhas e paisagens urbanas que muitas vezes lembram a pintura naif. Sua arte se relaciona também com a cultura do skate e do snowboard, esporte que pratica.

Ele é artista, mas sua alma é de cientista.

No lugar de pincéis, telas e outros artefatos de um artista (plástico), encontram-se parafusos, projetores, madeiras, computadores e diversas engenhocas que dão vida a marionetes eletrônicas, autômatos e outros seres (quase) humanos.

 O Instituto Inhotim inaugurou em 29 de setembro o Nove Novos Destinos, com nove obras novas de dez artistas contemporâneos consagrados nacional e internacionalmente no cenário atual. São eles: Chris Burden, Doug Aitken, Edgard de Souza, Janet Cardiff & George Bures Miller, Jorge Macchi, Matthew Barney, Rivane Neuenschwander, Valeska Soares e Yayoi Kusama.Segundo o diretor artístico do Instituto, Jochen Volz, a idéia de destino é a síntese do lugar, pois o Instituto Inhotim não é um lugar de passagem e sim um destino.

Essas obras ampliam o conceito de um espaço expositivo comum que conhecemos. Segundo diretora-executiva do Instituto, Ana Lúcia Gazzola, essas inaugurações consolidam a singularidade de Inhotim como um espaço de arte contemporânea diferenciado do resto dos museus do mundo.  A maioria dos projetos foi desenvolvida baseada no conceito site-specific, onde os artistas projetam as obras a partir das características que o lugar oferece, o que possibilita transformar coisas que eram apenas um sonho em realidade, como a obra Piscina do argentino Jorge Macchi. “O artista pode criar em Inhotim sua utopia artística”, reforça Ana Lúcia.

Uma “garota-boneca” que anda e fala, um homem tímido com sotaque nordestino, um carioca criado no Realengo e outro carioca que parece mais um europeu.

Apesar das evidentes diferenças, eles têm em comum obras inspiradas em “ambientes urbanos”, tema da exposição Vem na Mão, que esteve em cartaz no Centro Cultural da Justiça Federal.

A multiplicidade de linguagens e técnicas de Petite Poupée 7, Paulo Santos, Alê Souto e Bernardo Ramalho, respectivamente, citados acima - e entrevistados pela equipe da Roda de Docs -, somadas a experiência de mais nove artistas, revelam o tom urbanóide da exposição.

Até 25 de abril, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, MAM-RJ, recebe a exposição com obras inéditas dos vencedores do 3º Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas. Os artistas premiados foram Armando Queiroz (PA),   Eduardo Berliner (RJ), Henrique Oliveira (SP), Rosana Ricalde (RJ) e Yuri Firmeza (CE), que realizaram seus trabalhos ao longo de 2009.

A descentralização e a diversidade estão presentes nesta terceira edição do prêmio. Rio de Janeiro e São Paulo seguem agregando a maior parte dos artistas brasileiros, mas na lista de premiados este ano estão artistas de Belém e de Fortaleza, comprovando o surgimento de novos pólos de atividade criativa nas diferentes regiões do país.

A exposição A Pintura em Pânico, que está na Caixa Cultural no Rio de Janeiro, reúne 41 fotomontagens feitas pelo médico e literário Jorge de Lima na década de 1930. Consagrado desde muito jovem por sua poesia marcada pelo estilo parnasianista, ele é um dos mais ilustres representantes da moderna vanguarda literária brasileira.

No final dos anos 1920, Jorge de Lima adere ao modernismo, cantando em versos livres o cotidiano da vida nordestina e da cultura afro-brasileira. Mas além da poesia, o artista se dedicava ao desenho, à pintura e foi ele o primeiro artista brasileiro a produzir fotomontagens. Começou a experimentar a técnica da colagem usando recortes de antigas gravuras, enciclopédias, livros de anatomia e astronomia, além de jornais e revistas da época. 

A mostra do artista italiano Alberto Magnelli no Centro Cultural Banco do Brasil do Rio de Janeiro, o CCBB, reúne 64 pinturas, de 1912 a1969, a maior parte de acervos da França e da Bélgica, e ainda apresenta obras de coleção particular e de instituições brasileiras.

Magnelli esteve ligado às novas estéticas das primeiras décadas do século XX e aos 15 anos de idade já participava de exposições de arte moderna na Europa. Um dos mestres da arte moderna, o pintor recebeu influências de diversas escolas, como o Renascentismo, o Cubismo e o Futurismo, até chegar às linhas abstratas que o apontam com um dos artistas mais importantes do mundo.

Mais do que meros adereços, os artefatos plumários são símbolos usados em rituais e cerimônias e podem representar mensagens sobre sexo, idade, filiação (clã), posição social, importância cerimonial, cargo político ou grau de prestígio dos seus portadores. De 15 a 26 de abril, a UFRJ expôs alguns destes enfeites plumários feitos por índios brasileiros com o objetivo de difundir a arte dos povos indígenas e quebrar o senso comum sobre estes adereços.

Diferente do que se pensa, eles não servem apenas para enfeitar o corpo, mas também para a confecção de armas, instrumentos musicais e até máscaras. No Brasil, existem dois grupos de estilos plumários: um deles é o monumental, que apresenta longas penas associadas a suportes rígidos e o outro é o delicado, que agrupa pequenas penas em suportes flexíveis.

A exposição A Fotografia Como Eu Sou,da baiana Lita Cerqueira, reúne 51 imagens em preto e branco, feitas entre 1976 e 2002, que mostram o universo afro-brasileiro e unem arte, religiosidade e cenas da vida cotidiana do país. Selecionadas a partir do arquivo pessoal da fotógrafa, são produtos de suas andanças por cidades da Bahia, Pernambuco, Alagoas e Rio de Janeiro, onde vive desde a década de 1970.

Lita Cerqueira é uma figura de sensibilidade incomum, sua lente já clicou nomes como Nelson Pereira dos Santos, Win Wenders, Waldick Soriano, Gal Costa e Moraes Moreira. Mas o que ela prefere mesmo é retratar gente mais simples, o povo brasileiro, principalmente dos cantões esquecidos do Brasil, onde, segundo a fotógrafa, as pessoas são espontâneas, fazem pose e se divertem quando clicadas.

A Partir das fotografias de Marcel Gautherot, Thomaz Farkas e Peter Scheier é possível captar um pouco da atmosfera que envolveu a construção da capital do Brasil há 50 anos atrás. As imagens estão no Instituto Moreira Salles (IMS) do Rio de Janeiro até 25 de julho na exposição As Construções de Brasília.

As 157 fotos que são do acervo do IMS estão entre os mais importantes testemunhos visuais sobre o período de obras e a inauguração da capital brasileira. A mostra, que ocupa todos os espaços expositivos do Instituto, propõe uma reflexão sobre as diferentes interpretações das imagens de Brasília. A ideia é discutir as formas de representação da capital, considerando toda a sua carga simbólica e o fato de a cidade ter se tornado um dos principais ícones nacionais, especialmente por sua arquitetura monumental.

O carioca Hélio Oiticica morreu há três décadas, mas suas ideias sobre arte ainda continuam muito atuais. A exposição Museu é o Mundo é uma retrospectiva em homenagem a um dos maiores artistas da cena brasileira, que tem cada vez mais a sua função ampliada como referência para a compreensão da contemporaneidade.

A mostra permite que se acompanhe a trajetória de um artista que começou tímido para depois se tornar um grande questionador do próprio sentido da arte.  As obras do período menos ousado estão concentradas no primeiro andar, espaço que exibe pinturas e relevos feitos quando Oiticica convivia com o Grupo Frente, liderado por Ivan Serpa, um dos precursores da abstração geométrica no Brasil.

A exposição Videoretrospectiva de André Sheik apresenta as filmagens que o artista fez com seu celular nas ruas do Rio de Janeiro. Ex-baixista do grupo Biquíni Cavadão, ele é autor de algumas letras de músicas, como “Tédio”, “Zé Ninguém” e “Vento Ventania”, já escreveu um livro de poesias e desde 1999 estuda artes plásticas.  

Sheik participou de mostras no Brasil, em Portugal, na França, na Polônia, nos Estados Unidos, na Suécia e na Venezuela, entre outros países, mas, esta é a sua primeira exposição individual. Com curadoria de Beatriz Lemos e Alberto Saraiva, o artista apresenta uma grande vídeo-instalação com monitores e um peça sonora comum a toda sala.

Amor, futuro e Aids são os temas da mostra Kabum!Mix - Novos Olhares Sobre o Mundo, que está no Oi Futuro Flamengo até o dia 30 de junho. Os cartazes dão visibilidade à criação artística dos alunos da Oi Kabum!, escola de Arte e Tecnologia que oferece à juventude popular urbana das grandes cidades formação em linguagem multimídia, através de cursos de design, computação gráfica, vídeo, fotografia e webdesign.

As criações foram desenvolvidas dentro do projeto Oi Kabum! Mix, realizado pelo Oi Futuro, em parceria com o designer Felipe Taborda, que neste trabalho contou com a colaboração do renomado designer mexicano Alejandro Magallanes.

Óleo, chumbo, carvão moído, borracha, CDs, tecelagem africana e ouro sobre as telas somados à estruturas feitas de aço, mármore sintético e graxa. A exposição Segredos, de Siron Franco, que está na Caixa Cultural do Rio de Janeiro, reúne uma enorme diversidade de materiais nas suas quinze pinturas, dois quadros e cinco esculturas. Na série Segredos, figuras e carimbos da anatomia humana estão encobertos sob várias camadas de tinta. As obras escondem mil significados e não são fáceis de serem compreendidas, a mostra exige o olhar atento do espectador. A ideia é provocar reflexões, intrigar, deixar mesmo um ponto de interrogação na cabeça no público.

Siron Franco nasceu na cidade de Goiás Velho, no interior do estado de Goiás e ingressou no mundo da arte fazendo retratos. Nos anos 60 se mudou para São Paulo e participou da sua primeira exposição, chamada Surrealismo e Arte Fantástica. Hoje, ele é reconhecido internacionalmente e tem mais de três mil obras, muitas delas nos acervos de museus no Brasil, na Europa e nas Américas. Se até os anos 80 a obra do artista era composta a partir de imagens bem reconhecidas - principalmente quando contestava a ditadura militar, expondo vísceras e figuras descarnadas – agora ele usa da linguagem contemporânea para criar.

A videoinstalação iCandomblé, do artista visual e diretor de cinema João Velho, é um desdobramento do curta-metragem de mesmo nome, que tem como tema a globalização do Candomblé.

A internet possibilitou a troca de experiências, informações e livros entre os adeptos do culto aos Orixás em todo mundo. Da sociedade cada vez mais interligada, da livre circulação mundial de informações, sacerdotes, rituais e axé, começa a surgir uma nova espécie de religião.

A segunda edição do Parede - Festival de Poster Arte do Rio de Janeiro pretende mudar conceitos e discutir novos parâmetros sobre o que é cultura. O artista plástico Eduardo Denne e o curador Marco Antonio Teobaldo criaram o evento com intuito de fortalecer a arte de rua e seus protagonistas. O objetivo é mobilizar artistas veteranos para incentivar os novatos a mostrarem os seus trabalhos.

Diversos adesivos, pôsteres e panfletos colados nas paredes, tudo muito colorido. São mais de 300 trabalhos divididos em uma grande mostra coletiva com os artistas inscritos, que ocupa duas salas do Centro Cultural da Justiça Federal (CCJF), uma sala especial para artistas convidados e uma individual-retrospectiva do grafiteiro paulistano Ozéas Duarte, mais conhecido como Ozi, um dos pioneiros da arte de rua no Brasil.

Em uma rua calma no meio do agitado bairro de Botafogo no Rio de Janeiro, um belo casarão do começo do século XX abriga o inusitado Museu da Cadeira desde 2004. São mais de 170 peças reunidas em uma única sala, cadeiras de todos os tipos e formatos espalham-se pelo chão, por prateleiras, pela parede e até mesmo pelo teto. O visual é um emaranhado intrigante a princípio, mas um olhar mais atento revela silhuetas peculiares que chamam a atenção de qualquer um.

Tudo começou com a paixão do arquiteto e curador do museu Richard Valansi pelo universo do design e principalmente pelo design de cadeiras. Desde o início da faculdade ele começou então a colecionar e hoje, possui mais de 1.500 peças, considerado o maior acervo da América do Sul e uma das mais importantes do mundo. “A cadeira não é um mero objeto de quatro pernas, quando você entra aqui nesta sala o que você vê é a criatividade de todo mundo, do design e também a influência dos materiais em cada objeto.”, afirma o arquiteto.

Desenhista, gravador, pintor e professor de artes, o pernambucano Darel Valença é um dos mais importantes artistas brasileiros. Dedicou-se intensamente à ilustração de jornais, revistas e obras literárias e ao ensino das artes gráficas no país. A exposição De Corpo Inteiro – Darel Pinturas Gravuras Desenhos, que está na Caixa Cultural do Rio de Janeiro até 1º de agosto, conta a história profissional do artista em mais de 120 obras.

É uma grande oportunidade para se admirar sua produção múltipla e conhecer os trabalhos mais expressivos. Com curadoria de Sérgio Pizoli, a mostra apresenta ao público pinturas, gravuras e  desenhos passando por várias épocas e temas recorrentes, que fazem parte de seis décadas de trabalho de Darel. Além de estudos preparativos e cadernos de anotações.

Wesley Duke Lee foi pioneiro em várias frentes artísticas, como a realização de happenings, performances, instalações e na discussão sobre o papel do mercado na arte nos movimentados anos 60. Nascido em São Paulo, criou uma arte singular, mas ficou um pouco esquecido nas últimas décadas, há 18 anos suas obras não eram expostas. Mas, agora, o circuito de artes relembra Lee em uma mostra na Pinakotheke Cultural, no Rio de Janeiro.

Apesar do afastamento de uma geração que entrou de cabeça na arte política com o endurecimento do Regime Militar, Lee foi muito corajoso para desafiar instituições e apostar não no sucesso comercial, mas na potência da própria criação. Exemplo disso é a participação no Grupo Rex, em 1966 e 1967, que marcou sua produção artística. Junto com Nelson Leirner e Geraldo de Barros, artistas que também causavam incômodo com um jeito diferente de fazer arte, Duke Lee resolveu criar uma galeria própria para expor, a Rex Gallery & Sons.

A arte pós-moderna está cada vez mais misturando elementos para encontrar uma linguagem que revele as novas mídias. A interatividade é uma das ferramentas, além da junção de texto, som e imagem nas mais diversas plataformas. O artista chileno Gonzalo Mezza, que pesquisa as relações entre arte e tecnologia desde a década de 70 e é considerado um dos pioneiros nesse campo, trouxe parte de seu acervo para expor na Caixa Cultural do Rio de Janeiro.

Fotos, vídeos e sons se misturam para interagir com o público na mostra 8 = 8  The Virtual Museum Project. São 80 projeções e 16 peças materializadas em impressão digital, acrílico e luzes tipo LED. O projeto tem um visual bem diferente e atual. Os quadros de acrílico iluminados por LEDs verdes permitem a mudança das imagens com o passar da mão pela luz. Mas a participação do público vai além disso, os ruídos da mata e dos índios da trilha sonora também provocam sensações.

A obra de um dos ícones da fotografia moderna brasileira foi sintetizada em 57 imagens na exposição German Lorca: Olhar Imaginário, que está na Caixa Cultural do Rio de Janeiro até o dia 29 de agosto. O curador Eder Chiodetto selecionou as imagens que mais marcam o experimentalismo radical e a ruptura com o realismo dentro do vasto acervo do artista, que foi pautado pela influência absorvida a partir de movimentos como o surrealismo e o concretismo.

Nascido pouco depois da Semana de Arte Moderna de 1922, Lorca teve papel decisivo na implantação da fotografia de pensamento e estética modernista em meados da década de 1940. Hoje, aos 88 anos de idade e em plena atividade, o artista paulistano é considerado por historiadores como um marco da fotografia experimental no Brasil.